LA PANTOMIMA

LA PANTOMIMA

Introducción

La pantomima es un método audiovisual que se usa para enseñar claramente mensajes de todo tipo a nuestro auditorio independientemente de su edad. La pantomima es un drama completo que puede usar uno o más mimos. Se dice que es un método audiovisual que se acompaña de pistas musicales que van de acuerdo con la trama de la pantomima. La pantomima es un drama completo, hecho a base de mímica.

 La pantomima es clara, muy entendible, auque varía un poco de acuerdo a la edad de quienes están viéndola. Cuando estamos presentándola a los niños se ocupan más ayudas visuales y se debe narrar. Con los jóvenes no son necesarias tantas ayudas y se narra sólo si se cree que es indispensable para el mejor entendimiento de lo que se quiere comunicar. Para que  una pantomima tenga éxito es necesario que sea divertida, interesante y que no dure demasiado tiempo ya que quienes están viendo pueden aburrirse, dejar de poner atención y perder el mensaje que les queremos dar.

Los orígenes de la pantomima

La pantomima es un método que se viene haciendo desde la Edad Media. Todo comenzó en Italia con lo que ellos llamaban la “Commedia dell´arte”, que ahora es la comedia del arte. Había unas compañías de teatro “ambulantes” que iban de pueblo en pueblo presentándose en las calles, plazas y lugares públicos. Ellos hacían obras improvisadas, picarescas. Usaban máscaras, que fueron cambiando hasta que comenzaron a usar harina y polvo en la cara, una práctica que evolucionó y dio lugar al maquillaje que hoy usan los mimos. Sus vestuarios eran de colores vivos y brillantes.

Uno de los personajes clásicos de la comedia del arte es el Arlequín que se puede decir es el padre de la pantomima. El personaje del Arlequín pasó de la comedia latina y llegó a ser bufón de la pantomima francesa, y de allí lo tomaron los ingleses y poco a poco se extendió por todo el mundo y ahora nosotros podemos seguir con esta clásica tradición teatral.

En la pantomima existen dos grandes maestros contemporáneos, cuyos estilos y métodos podemos seguir.

Charlie Chaplin. Ganó su fama mundial como un genio de la mímica, considerado como uno de los cómicos mejores de todos los tiempos. Él creó el personaje del vagabundo soñador, con un pequeño bigote, sombrero, bastón, un saco muy chico y pantalones muy grandes. Sus técnicas son usadas por los mimos cómicos.

Marcel Marceu. Maestro de la pantomima, se le ha llamado el mejor mimo del mundo. Usa una combinación de ballet, suavidad de movimientos y mímica para crear sus pantomimas excelentes. Hace que las personas que lo están viendo vean claramente los objetos que está representando. Sus técnicas son las más usadas en el tipo de pantomima que nosotros hacemos.

El Maquillaje

El mimo se caracteriza por tener la cara blanca con detalles de otros colores que hacen que sobresalgan los gestos. Como primer paso debes ponerte un poco de crema para crear una película grasa que impida a los otros maquillajes atacar tu piel.

Después de esto aplica una capa delgada de maquillaje blanco. Se pueden utilizar las típicas barras de maquillaje que venden en las tiendas de carnaval, o bien “pan cake”  blanco, que aunque es un poco más caro, te dará mucho mejores resultados. Esta capa debe darse fina y uniforme sobre toda  la cara hasta que se haya formado un óvalo sobre el rostro, q puede llegar a cubrir o no, el cuello y las orejas. Si el lugar donde vas a estar es muy caluroso o el programa es muy largo, se recomienda que como siguiente paso te pongas una capa de talco para niños para que el maquillaje no se escurra.

Lo que se hace a continuación es hacer los detalles en los ojos. El propósito de estos detalles es hacer que sobresalgan. Esto se hace con delineador para ojos negro liquido, con el que debes hacer rasgos finos y detallados. También puedes usar barras de maquillaje negro, si quieres un efecto más cubriente y grande.

Los labios se pueden pintar con lápiz labial rojo (para las mujeres) o lápiz para cejas negro (para los hombre). También con las barras ya mencionadas con anterioridad. De acuerdo a tu gusto o al personaje que representas puedes pintar otros detalles en tu cara, por ejemplo, lágrimas, estrellas, un corazón sucio o limpio, una cruz, o rayos. La cara de Satanás puede estar manchada de pintura roja representando sangre o como una calavera.

Con el mismo lápiz para cejas negro ahora puedes hacer una raya delgada alrededor de todo el óvalo blanco de maquillaje, a fin de que resalte más tu cara. Ahora lo único que te faltará para tener la cara de un mimo es una sonrisa.

Para quitar el maquillaje después de tu actuación puedes usar toallitas desmaquillantes y leche limpiadora, y después de esto agua y jabón. Como los niños creerán que el mimo es un personaje mágico y especial, nunca debes desmaquillarte enfrente de ellos ya que destruirás el efecto hermoso del mismo.

El Vestuario

El vestuario es una parte importante para la pantomima, ya que ayuda a mejorar la impresión visual de todo el equipo. Un equipo, por muy profesional que sea, si no tiene un vestuario adecuado y bueno, pierde mucho de su impacto. El equipo debe estar uniformado, con ropa cómoda, que facilita la libertad de movimientos. Las faldas y los pantalones no deben ser muy apretados, y es mucho mejor usar tenis que zapatos.

El equipo debe verse bien y por esto debe tener una uniformidad en los colores de su uniforme. Los colores clásicos del mimo son el negro, blanco y rojo, y con estos tres colores se puede hacer muchas combinaciones. Pueden usar playeras blancas con falda o pantalón negro, playeras rojas, camisas blancas con diseños abstractos en negro. Los tirantes dan un toque especial, igual que los chalecos, las gorras y las boinas. En fin usa tu imaginación.

Pero sin importar el tipo de vestuario que escojas, los guantes son imprescindibles. Son muy necesarias para que las manos resalten y se noten más los gestos de éstas. Si tú y tu grupo quieren ser un buen equipo de mímica, los guantes son un gran porcentaje de la importancia del vestuario.

Como formar un equipo

Ser un equipo de pantomima no sólo es cosa de pintarse, vestirse y presentarse. Un equipo implica mucho más. Aquí hay unos pasos prácticos que pueden seguir para capacitarse:

1. Reúnan a todas las personas que están interesados en participar. Hablen de los detalles como su vestuario, el tipo de público con el que se van a presentar, su propósito como equipo de pantomima, las fechas para sus ensayos y preparación de ayudas visuales. Pónganse de acuerdo y vayan a comprar su vestuario, maquillaje y todo lo que ocuparán.

2. Comience a ensayar una pantomima. Les recomiendo que para empezar no se preocupen por escribir ustedes, ni por hacer su pista. Usen las que vienen incluidas en este libro, de preferencia las más sencillas para empezar.

3. Además de ensayar la pantomima, deben practicar las bases de la mímica. Hagan ejercicios con cosas reales, como una pared, una caja, etc., y luego practiquen sin cosas reales. Ensayen los gestos y expresiones faciales frente a espejos, y hagan ejercicios que les ayuden a tener más flexibilidad y facilidad de movimiento.

4. Ensayen algunas veces la aplicación del maquillaje, hasta que todos se sientan confiados y lo puedan hacer relativamente rápido, sin problemas.

5. Recuerden que sólo con la practica se llega a la excelencia, así que no se desesperen, practiquen, sean creativos e innovadores y sobre todo ensayen mucho. Pronto verán que en realidad la pantomima es muy fácil.

Como desarrollar pantomimas

Cuando tu equipo esté listo y ha llegado al punto en que es necesario escribir sus propias pantomimas, se puede decir que ya son un equipo completo. Escribir sus propias pantomimas es algo necesario para cada equipo de pantomima que quiere seguir por muchos años. No es difícil, y en realidad es muy fácil si sigues estos puntos.

1.     Decidir el tema o la idea central de la pantomima. Decide qué es lo que quieres comunicar a tu publico. Lo que quieres decirles, ésta es tu idea central.

2.     Desarrolla la trama de la pantomima. Aquí es donde verás cómo comunicarás tu idea. Piensa en algo real que ayude a comunicar una idea abstracta, como una pared que representa la separación que hay entre los hombres y Dios. Haz esto en detalle, decidiendo cuántas escenas habrá, lo que se va a hacer en cada una, que acciones se harán, cuántos mimos participarán, qué ayudas visuales necesitarán, etc.

3.     Elabora la pista musical.

4.     Haz todas las ayudas visuales que usarás en la pantomima.

5.     Ensaya con tu equipo la pantomima. Hagan esto con toda las ayudas visuales que usarán. Háganlo escena por escena, ensayen una escena hasta que  esté completa, luego la que sigue y así hasta que hayan completado toda la pantomima. Después ensayen toda la pantomima completa las veces que sean necesarias hasta que sientan que ya está claro lo que quieren comunicar. Especialmente las primeras veces, esto puede tardar muchas horas. ¡No desesperen!

6.     Presenten la pantomima o traigan a alguien que los vea en sus ensayos, y de acuerdo a las opiniones que reciban, evalúen. Deben evaluar la claridad con la que se presentó el mensaje, la facilidad con la que actuaron, las ayudas visuales, la necesidad de tener más ayudas o tal vez menos, la pista, sus vestuarios, la duración total, etc. Este paso es muy importante para las futuras presentaciones, para que corrijan todo lo que les falló. No te preocupes si hay muchas correcciones, ya que con el tiempo irán habiendo menos y menos  hasta que a base de práctica lleguen a la perfección.

 Ejemplo de unas ideas centrales para pantomimas.

1.     Una pantomima para la época de navidad.

2.     Una pantomima que hable de la unión entre los amigos (amistad).

3.     Una que hable sobre los niños en la escuela.

Diferentes clases de Pantomima

Una misma pantomima siempre no sirve si se presenta sin tomar en cuenta el tipo de público que nos está viendo. Tenemos que adaptar nuestras presentaciones a las personas que nos estén viendo. No es lo mismo un grupo de jóvenes pandilleros, que la sociedad juvenil de una Iglesia. Por esto es que existen varios tipos de pantomimas:

1. Pantomimas para la calle: Estas son, por lo común, para jóvenes no cristianos, y por ello tienen que ser evangelisticas, pero a su nivel. Es decir hay que presentarles el mensaje pero con escenas que a ellos les llamen la atención, y con el tipo de música que ellos escuchan. Hemos visto por experiencia que un método muy eficaz para este tipo de presentación es alternar con un grupo de rock cristiano y tener un concierto masivo en la calle, así llamando más la atención y ministrando mejor a las personas que están en la calle.

2. Pantomimas para la Iglesia: Estas pueden ser las mismas que ocupamos en otros lugares, siempre y cuando tomemos en cuenta que es necesario adaptar. Si hay escenas de baile, fiesta, drogadicción o alcoholismo pues tal vez será necesario eliminarlas o modificarlas un poco. Aunque sean para un programa evangelístico, debemos recordar que estamos en una Iglesia y que a muchos hermanos no les gusta ver ese tipo de cosas dentro de su Iglesia.

3. Pantomimas para niños: Estas pueden ser las mismas que las que usamos para jóvenes, pero tenemos que adaptarlas a los niños. Serán necesarias más ayudas visuales y narración. Tenemos que adaptarnos al nivel de compresión de ellos y por esto la pantomima para niños requiere tal vez más preparación. Robots y Venenos son muy buenas ideas.

4. Pantomimas para jóvenes: Estas varían de acuerdo al grupo de jóvenes con quienes estamos. Pero pueden tener ideas más abstractas, ya que se entenderán mejor que los niños. La narración es buena si se puede pero no tan indispensable como con los niños. Lo mismo con las ayudas visuales. Podemos tener pantomimas especiales para jóvenes atletas, pandilleros (que viene siendo lo mismo que las pantomimas de la calle), señoritas, parejas, estudiantes, etc.

5. Pantomimas para cristianos: El fin principal de éstas es edificar a los hermanos: por eso, su mensaje debe ser sobre la vida cristiana. Podemos hablar de los temas que queramos, o que veamos que se necesitan e la iglesia. Peden ser sobre la unidad, el crecimiento espiritual, lo que pasa cuando un cristiano peca nuevamente, el evangelismo, etc. Estas son buenas cuando somos invitados a las sociedades juveniles, femeniles, a los cultos de adultos de entre semana, etc.

6. Pantomimas para el evangelismo: Estas existen para niños, jóvenes y adultos. Su mensaje es Cristocéntrico, orientado hacia la Biblia, Dios, la salvación. El perdón de pecados, etc. Estas se pueden presentar en la calle, los parques, las iglesias o las escuelas. Sólo debemos recordar que si vamos a evangelizar debe haber una Iglesia para recibir a quienes estén interesados después del programa.

Como hacer Pistas Musicales

Las pistas musicales son una parte muy importante de las pantomimas. Si puedes escribir tus propias pantomimas y hacer tus propias pistas, podrás tener infinidad de pantomimas nuevas. Lo indispensable para hacer pistas es una grabadora de doble cassette (claro que con un equipo más sofisticado es más fácil, pero no es necesario) y mucha música. La mejor música para pantomima son los temas de películas, programas de televisión, música instrumental de todo tipo, etc. Muchos se pueden grabar del radio o comprar. Siempre debes estar alerta cuando oyes música, porque nunca sabes cuando vas a escuchar algo que quedaría perfectamente en tus pantomimas.

Cuando ya tengas todo listo para grabar, lo que debes hacer es tener un bosquejo de tu pantomima, las escenas que tiene y el tempo de música que quedaría en cada una. Por ejemplo si tienen la escena de la conversión de alguien, se usa música suave, casi romántica; si tienen una escena de persecución, música mas rápida. De acuerdo a cada escena que tengas, escoge el tipo de música y así añadirás al impacto, mucho más que si sólo usas una música en toda la pantomima.

Debes tomar también en cuenta el tiempo que tenías calculado para cada escena. Si pensaste que iba a durar 30 segundos y la música para la escena sin que se oiga mal. No te preocupes si a la primera se oye mal tu pista, poco a poco aprenderás a mejorar. Al igual que la actuación en las pantomimas, el hacer pistas buenas toma tiempo y trabajo.

La Importancia de la Narración

1.     La importancia de la narración en la pantomima:

Especialmente cuando estás trabajando con niños la narración es sumamente importante, ya que las ideas representadas muchas veces son simbólicas y por esto un poco difíciles de entender.

Con la narración podemos explicar lo que significa todo lo que está pasando y así facilitar el entendimiento. Con la pantomima juvenil la narración es buena, pero no es tan esencial como con los niños.

2.     El uso de un sonido y micrófonos:

Es importante que todos los que estén viendo la pantomima alcancen a escuchar la narración. Por ello es necesario usar un sonido y micrófono cuando estés en un lugar amplio o con muchas personas. Con los grupos pequeños rara vez se presenta este problema.

3.         Como narrar bien una pantomima:

Es importante motivar la participación del auditorio, para así no perder su atención. En una narración dinámica, se hacen preguntas, dan respuestas, piden que cuenten, aplauden o contestan, y así la participación de los niños se completa.

Artes escénicas

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Las artes escénicas son el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el universo del Teatro, la Danza y la Música; así como el espectáculo y la Organización Espacial.
Llamamos edificio teatral o sala de espectáculos a aquel espacio arquitectónico construido especialmente para realizar en él cualquier tipo de espectáculo en vivo, ya sea teatro (drama), danza, música o similar.
Este espacio, aparte de notables diferencias producidas por los distintos conceptos que del teatro se han tenido a lo largo de la historia, mantiene inalterable una cierta disposición de ámbitos dependiendo de la utilización que de ellos se haga. Nos referimos a aquellas zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el hecho teatral se produzca: los actores y el público. Cada uno de dichos elementos, necesita de su propio espacio, delimitado y privado, para desarrollar con la mayor comodidad posible la actividad para la que está destinado.

 

 

 

Pantomima

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Para otros usos de este término véase Mimo (desambiguación).

Pantomima (griego pantómimos "que todo imita") es la parte de las artes escénicas que utiliza la mímica como forma de expresión artística. Se llama mimo al agente de la acción, al que practica el arte de Mimo. Los mimos renuncian al uso del lenguaje hablado en sus actuaciones, rechazando con frecuencia el uso de cualquier tipo de sonido u objeto. Tiene elementos comunes con la danza y las artes circenses.
Es una forma frecuente de arte callejero, generalmente de forma individual. Los mimos suelen simular con sus gestos sonidos, cosas o personas que no existen realmente. Esto puede dar lugar a coreografías muy elaboradas.

Un mimo callejero, imitando a Charlot en Verona

Los primeros mimos occidentales aparecieron en los teatros de Grecia y Roma en el siglo V AdC. La mímica era un importante elemento en los teatros de la época, donde buena parte del público no podía oír a los actores. Durante la Edad Media, este arte prácticamente desapareció de Europa.
En el siglo XVI aparece en Italia la "Comedia del arte", una forma de teatro improvisado que tuvo un gran éxito por toda Europa, especialmente al surgir Arlequín.
Dentro del cine mudo surgieron un gran número de mimos excepcionales, como Charles Chaplin.

Mimos destacados [editar]

• Mimo AMI
• Buster Keaton
• Blanquito
• Carlos Martínez
• Charles Chaplin
• Étienne Decroux
• Frederik Vanmelle
• Harpo Marx
• Henryk Tomaszewski
• Jacques Lecoq
• Jacques Tati
• Jean Gaspard Debureau, "Pierrot"
• Jean-Louis Barrault
• Marcel Marceau
• Mimo Chispa
• Oleg Popow
• Pablo Zibes
• Rowan Atkinson Mr. Bean
• Tricicle
• Vol Ras

Marcel Mangel, mejor conocido como Marcel Marceau, (Estrasburgo, 22 de marzo de 1923 — Cahors, 22 de septiembre de 2007); mimo francés de fama mundial.
Comenzó su carrera como mimo en Alemania, actuando para las tropas francesas de ocupación, después de la Segunda Guerra Mundial. Tras esa incursión en el arte dramático decidió estudiar esta disciplina en el Teatro Sarah Bernhardt de París.
Fue el creador del personaje Bip que tenía la cara pintada de blanco y llevaba unos pantalones muy anchos y una camisa de rayas, tocado de una chistera muy vieja de la cual salía una flor roja. Ha sido considerado el mejor mimo del mundo.

Primeros años y entrenamiento [editar]

A los 15 años de edad, él y su familia, pertenecientes a la religión judía, fueron obligados a dejar su hogar cuando tropas alemanas invadieron Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Posteriormente se unió a las fuerzas de liberación francesas comandadas por Charles de Gaulle. Debido a su excelente inglés trabajó como oficial con los aliados norteamericanos comandados por el general Patton. Contrajo matrimonio tres veces y tuvo cuatro hijos.^[1]
Marceau se interesó en la actuación luego de haber visto a Charles Chaplin. Al término de la guerra se matriculó como estudiante en la academia de arte dramático Charles Dullin en el teatro de Sarah Bernhardt de París, donde recibió clases de maestros como Charles Dullin y el magnifico Etienne Decroux, quien también enseñó a Jean-Louis Barrault. Al darse cuenta del excepcional talento de Marceau, lo invitaron a unirse a su compañía y le dieron el rol del Arlequín en la pantomima titulada Baptiste - donde Barrault se interpretaba a sí mismo en la película mundialmente famosa Les Enfants du Paradis. La actuación de Marceau le ganó una fuerte aclamación que lo incentivó a presentar ese mismo año su primer mimodrama llamado Praxitele and the Golden Fish, en el teatro Bernhardt. El público lo aclamó unánimamente por lo que la carrera de Marceau quedó a partir de ese momento firmemente establecida.

Carrera y personajes característicos [editar]

Marceau creó en 1947 a "Bip", el payaso con un suéter a rayas y con un maltratado sombrero de copa decorado con una flor (que representaba la fragilidad de la vida) y que se convirtió en su alter ego, similar al "vagabundo" de Chaplin. Las desventuras de "Bip" con todo lo que le rodeaba, desde mariposas hasta leones, barcos y trenes, en pistas de bailes de restaurantes, no tenían límites. El estilo de la pantomima de Marceau no ha tenido par, sus ejercicios silenciosos que incluyen las clásicas representaciones de la caja, caminando en contra del viento, el hacedor de máscaras, en el parque y sátiras de todo tipo, desde escultores a matadores, han sido descritas como geniales. Respecto al avance de la edad su pieza "Joven, maduro, anciano y muerte", un crítico ha dicho que "logra en menos de dos minutos lo que la mayoría de los novelistas no logran en volúmenes".
En 1949, siguiendo su recibo para el renombrado premio Deburau (establecido como monumento conmemorativo en el siglo XIX por el Señor de los mimos Jean-Gaspard Deburau) para su segundo mimodrama "Muerte antes del amanecer". Marceau formó su propia compañía de mimos, la única compañía de pantomima en el mundo en esa época. El grupo actuó en los más reconocidos teatros parisinos como el Teatro de los Campos Eliseos, el Teatro del Renacimiento y el de Sarah Bernhardt, así como en otros escenarios del mundo. Durante los años 1959 y 1960, se realizaron retrospectivas de sus mimodramas, que incluían la famosa obra de Gogol "Sobre todo", que estuvo en cartelera por un año completo en el Teatro Amibigu de París. Marceau produjo 15 mimodramas, incluyendo el Pierrot de Montmartre, Las tres pelucas, La tienda de títeres, El 14 de julio, El Lobo de Tsu Ku Mi, París llora, París ríe y Don Juan, obra adaptada del escritor español Tirso de Molina.

La pantomima de luto [editar]

Falleció el sabado 22 de septiembre del 2007 a la edad de 84 años, por muerte natural en su cama durante la noche. Su muerte fue difundida al día siguiente
“El silencio no tiene limites, los límites los pone la palabra.” Marcel Marceau

La ausencia histórica con relación al mimo, ya ha sido señalada por algunos autores. En la historia del teatro sólo encontramos información respecto a qué tan bueno fue cierto mimo o tal otro y las referencias a sus orígenes son señaladas sólo de manera marginal y en los  momentos de decadencia del teatro y nada más. En cambio, algo que nos serviría, como al teatro le sirve una obra de Sófocles, no existe.

 Pero definitivamente en el origen del mimo, su naturaleza era corporal. El principio de nuestro arte se encuentra en las orgías dionisiacas, esencia que posteriormente fue distorsionada por la moral. Se permitió hablar, pero se sancionó, hacer del cuerpo signo de expresión. Las ménades y los sátiros debieron ocultar sus actos y propósitos. La abstracción, la intelectualidad, la palabra, reclamó para sí el establecimiento de lo correcto en materia de realización escénica. Tal vez ahí esté la razón por la que se empezó a considerar que la acción es cosa de personas de escasa inteligencia, por ello durante mucho tiempo se dijo eso de los deportes, ergo de los deportistas. Incluso hoy, a quienes se dedican a una actividad corporal, son vistos despectivamente.

 Tal vez por esta razón toda manifestación artística construida con acciones corporales fue marginada y tratada como arte menor y desplazada en el consenso de las artes, desconociendo en el mimo su condición de arte, semejante a la pintura, música.

 El cuerpo no podía permanecer inexpresivo, artísticamente tenía que manifestarse y a pesar de la represión, la libertad encontró la forma. En un primer momento la danza, haciendo abstracción de la acción, canalizó esa necesidad y la danza y el mimo se hicieron uno, siendo dos manifestaciones de nuestra expresividad corporal; después de todo, en el universo la unidad está compuesta de dos partes complementarias: materia y energía, o si quieren cuerpo y alma. Por ello, podríamos hacer la siguiente analogía: el cuerpo es al alma, como el mimo a la danza. El mimo es acción, la danza movimiento; la acción nace y vive del movimiento, el movimiento persigue la acción pero lucha por no llegar a ella.

 Pero la danza no fue el único medio, el cuerpo descubrió la gesticulación, decir sin hablar, la capacidad de “hablar” sin emitir sonidos; El cuerpo se hizo intelectual y satisfizo las reglas. El teatro mudo o pantomima jugó ese rol. Veamos la historia oficial: en el teatro griego el texto era el elemento principal, la palabra lo era todo, los movimientos escénicos eran mínimos; los acolchados, coturnos y máscaras no permitieron un gran desarrollo en ese sentido, además no importaba; aquellas representaciones tenían como fin decir el texto, sólo perseguían la gloria del autor. Mientras esto sucedía en los teatros (a donde acudían los griegos cultos) en las plazas ante el vulgo tenia lugar el espectáculo mímico nacido en el pueblo durante las fiestas campesinas, allí no habían máscaras ni coturnos que limitaran los movimientos del actor. D’amico, en su Historia del Arte Dramático, lo describe como “un espectáculo que presenta costumbres plebeyas en las que no faltan los númenes (cualquiera de los dioses de la mitología clásica)... reproducen interiores de una vida humilde... Son vivos y tienen un sabor realista... cuadritos de un verismo mas bien sucio... esbozo de una existencia vulgar, mugrienta y un poco nauseabunda...“

 El auge del espectáculo mímico provocó la reacción de los actores y directores de teatro, quienes para no quedarse atrás en la competencia con el mimo, agregaron la acción corporal al teatro. Algo semejante podemos observar hoy en día cuando se pretende multiplicar los esplendores de la representación escénica para rivalizar inútilmente con el cine.

 En Roma el mimo devino en pantomima. Sobre el origen de esta forma hay algunos relatos, el más conocido está referido a Livíus Andrónicus, un actor griego esclavizado por los romanos, quien actuaba en espacios al aire libre; Las condiciones podemos imaginárnosla. Cuenta la historia que Andrónicus se quedó afónico durante una representación y para continuar, le pidió a uno de los coreutas que dijera el parlamento mientras él hacía como que hablaba, y ¡oh, sorpresa! Moviéndose y gesticulando se descubrió subrayando corporalmente las palabras. Debido al éxito obtenido,  esta experiencia fue posteriormente repetida a propósito.

Los romanos rendían culto al cuerpo y por tal razón, lo que contaba en la pantomima era el actor, así éste llegó a serlo todo. Al no declamar mientras otro hablaba por él, el actor acabó por suprimir la palabra y representar toda la obra con mímica. Para compensar aquello, los movimientos corporales se realizaban de una manera diferente a la ya conocida, hasta que paulatinamente alcanzó un nivel técnico que permitió a la pantomima convertirse en el género teatral más importante durante el imperio romano. Se sabe que en Roma mimos y poetas competían: Cicerón desafió a Roscio a que tradujera por gestos sus oraciones retóricas y el célebre comediante lo hizo perfecto. Asimismo, emperadores fueron mimos, que tan buenos, no lo sabemos; algunos parece que con poca fortuna, como Calígula, quien obligaba a sus espectadores a permanecer en la sala bajo pena de muerte.

En Roma la pantomima decayó hasta casi desaparecer y tuvo un nuevo auge en Italia a mediados del siglo XVI con la aparición de la Commedia dell’arte.  Esta forma de representar surgió ante la decadencia del teatro de la palabra en forma semejante a lo acontecido en Grecia y en Roma. Entonces, como ahora, el actor que vivía de su trabajo necesitaba una obra exitosa que atrajese al público; al no encontrarla decide “hacer lo que pueda”, y creó la Commedia dell’arte. A fines del siglo XVI los actores de la Commedia dell’arte fueron  llamados desde Francia por Enrique III a pedido de su madre Catalina de Medicis. Pero la libertad que se tomaron  para interpretar sus obras, en las que claramente aludían a personajes de la sociedad, provocó que los expulsaran de Francia en 1697. Pero esta forma de actuar ya se había enraizado en el pueblo, quien además, con el tiempo, hizo suyo a Pedrolino, uno de los personajes, que replanteado y recreado por Debureau, se convirtió en Pierrot. De esta forma la Commedia dell’arte permitió el nacimiento de la pantomima francesa. Sobre ésta dice Jean Louis Barrault en sus “Reflexiones sobre el teatro”: “Sus obras no llenan nuestras bibliotecas ni nuestros museos. Se transmiten pues difícilmente. Esa es su falla. Ese es su lujo. No tenemos ninguna idea de la pantomima de los antiguos. Se sabe que era de origen báquico. Se dice que fue a menudo burlesco y hasta obsceno. Ni siquiera sabemos exactamente qué estilo de pantomima tenía Debureau... quedamos reducidos, como para muchas otras cosas, a la intuición intelectual”.

Hasta que apareció el cinematógrafo y la escenificación corporal tuvo su último auge importante. El cine en sus inicios aún no contaba con un lenguaje propio. En esa época destacó Charles Chaplin, y aunque reconocemos su talento artístico, también debemos aceptar que el arte del mimo no recibió ningún aporte importante de él, pues Chaplin no necesitó desarrollar su lenguaje. Y así, de manera sucinta fue la historia de nuestro movimiento, la misma que, como dice Barrault, no puedo asegurar.

Pero hay aún otra parte de historia, la contemporánea, aquella que comienza en 1929 con Etienne Decroux. Ese año él comienza sus estudios, se interesa por el cuerpo, explora e inventa, enseña lo que va hallando y aprendiendo, es un observador meticuloso del comportamiento corporal, un estudioso profundo. “Después de haber visto en el museo las obras de Egipto o del impresionismo se sale avergonzado de ser actor”, dice Decroux y renuncia a la pantomima. Es el primero en considerar al Mimo como un fin y no como medio o complemento de otro arte, y esboza sus fundamentos. Entre los principales alumnos de Decroux podemos citar a Jean Louis Barrault, con quien trabajó al principio de sus búsquedas; a Marcel Marceau, cuyo mérito es haber tomado la técnica de Decroux y haberla llevado a la vieja pantomima francesa modernizándola; y Angel Elizondo, quien a mi juicio inició un verdadero desarrollo y crecimiento de este arte transitando vías nuevas, experimentando, arriesgando y logrando resultados como el “Esquema de la Expresión Corporal” con el que actualmente una nueva generación de mimos estudiamos y trabajamos. Pero debemos advertir que la edificación del mimo se encuentra todavía en proceso; los maestros han hecho su parte y continuar la construcción está en nuestras manos.

MIMO-PANTOMIMA

El silencio no tiene limites, los límites los pone la palabra.” Marcel Marceau

1. Historia Es muy común en nuestras calles, toparnos con jóvenes artistas que permanecen horas y horas inmóviles, aguardando a que los transeúntes depositen en sus cestas algunas monedas. En ese instante el artista nos regala con alguna cabriola o con una serie de gestos graciosos que terminan por arrancar la sonrisa de los paseantes. Son ellos los mimos actuales. Es verdad que también en ciertos teatros muy concretos podemos encontrar espectáculos de mímica. Así a todo, para el común de los mortales los mimos son esos personajes estrafalarios que vemos cada día en nuestras ciudades. Sin embargo debemos saber que la mímica es un arte de representación dramática muy antiguo que intenta manifestarse mediante gestos y movimientos corporales. En Asia este arte se desarrolló mucho antes que en Europa y para estas culturas la mímica representó un papel esencial en los géneros dramáticos más importantes. En Europa tendremos que esperar al siglo XVI para ver en Italia la commedia dell'arte, una comedia improvisada que pronto se propagó por todo el continente. La pantomima continuó con el Arlequinado durante los siglos XVII y XVIII en Francia e Inglaterra, que era una forma desarrollada a partir de la commedia dell'arte en la cual se presentaban las aventuras de Arlequín, su amante, Colombina, y su p

padre, Pantaleón. En los grandes teatros antiguos al aire libre de Grecia y Roma, donde el público podía ver pero apenas podía oír, el mimo era un elemento importante en la interpretación. El pantomimus romano era un actor que utilizaba palabras y también movimientos estilizados con máscaras para representar al personaje acompañado de música y las canciones del coro. A pesar de su trascendencia en el teatro, en el siglo V la iglesia prohibió a estos encantadores personajes, a causa de sus constantes burlas a los sacramentos. En ese momento de la historia la mímica decayó hasta casi desaparecer. Particulamente en Roma “el mimo devino en pantomima. Sobre el origen de esta forma hay algunos relatos, el más conocido está referido a Livíus Andrónicus, un actor griego esclavizado por los romanos, quien actuaba en espacios al aire libre; Las condiciones podemos imaginárnosla. Cuenta la historia que Andrónicus se quedó afónico durante una representación y para continuar, le pidió a uno de los coreutas que dijera el parlamento mientras él hacía como que hablaba, y ¡oh, sorpresa! Moviéndose y gesticulando se descubrió subrayando corporalmente las palabras

En Londres, el Arlequinado era precedido por una escena en la que los actores hacían mímica y bailaban representando historias de la mitología clásica o cuentos de hadas, y culminaban con la transformación del personaje principal en Arlequín. Después del siglo XIX, las representaciones se limitaron a la época de Navidad. Poco a poco la escena inicial mencionada, o pantomima, se fue extendiendo y se hizo más importante que el propio Arlequinado, especialmente a principios del siglo XIX tras el desarrollo llevado a cabo por el actor Joseph Grimaldi, que destacaba en acrobacias e inventó trucos y maquinaria escénica, de los que se valió después para crear el personaje del payaso Joey. La pantomima emergió como un

espectáculo de elaborado trabajo escénico y de vestuario, basado en cuentos de hadas, con la incorporación de canciones, danzas, diálogos, acrobacias y otros elementos de revista inglesa. Se convirtió en tradición que una actriz joven interpretara el papel del héroe, o chico principal, y que un actor cómico interpretara el papel cómico de la dama de la pantomima. La pantomima moderna acabó siendo un arte puramente mudo, donde el significado es trasmitido solamente a través del gesto, el movimiento y la expresión corporal. Adquirió el rango de gran arte en el siglo XIX gracias al actor francés Jean Gaspard Deburau, que refinó los rasgos de un temprano personaje de la commedia dell'arte y creó a partir de él a Pierrot, el payaso herido de amor.En el siglo XX, dos actores franceses, Étienne Decroux y Marcel Marceau, creador del payaso Bip, han sido mimos de excepción. Los actores de cine mudo de principios del siglo XX, en especial Charlie Chaplin y Buster Keaton, basaron su trabajo por entero en las técnicas de mimo para transmitir sus historias. Fuente: http://www.oya-es.net/reportajes/mimo.htm

2. Definición

Según el diccionario de la Real Academia Española RAE: Mimo: 1. Entre griegos y romanos, farsante del género cómico más bajo; bufón hábil en gesticular y en imitar a otras personas en la escena o fuera de ella. 2. farsa, representación teatral ligera, festiva y generalmente obscena. 3. Actor, intérprete teatral que se vale exclusiva o preferentemente de gestos y de movimientos corporales para actuar ante el público.

Pantomima: El arte o género de concebir una historia sólo con movimientos corporales.

Mimo: 1a: un actor en un mimo b: alguien que practica mimo. 2 a: el arte de representar un personaje de o una narración por movimientos corporales b: Representación del mimo

La pantomima es una disciplina que requiere práctica y paciencia con uno mismo.

Aportaciones del taller al alumno:

 -   Condición y salud física  mental (Intenso y divertido ejercicio).

-    Libertad total para la mente creativa y el cuerpo creador (Todo es posible en pantomima).

-    Aprendizaje de una disciplina aplicable a cualquier puesta en escena, incluso a cualquier situación de la vida diaria (Conocimiento de las articulaciones y músculos del cuerpo).

-    Desarrollo de la capacidad de presentarse en publico (Pérdida del temor a ser criticado).

Estructura de las sesiones: Puntualidad, Calentamiento, Ejercicios de expresión corporal, Técnica, Descanso e Improvisación.

Puntualidad: Al inicio de cada sesión. Formaremos un grupo unido, con prioridad de aprender y superarse. Siempre queda un hueco si se pierde parte o la sesión entera, tanto de aprendizaje, como en la unidad del grupo. La hora de salida es flexible, no antes de la hora.

Calentamiento: Sencillos movimientos y estiramientos que brindarán con el tiempo flexibilidad, soltura, fortaleza, histaminas. Difieren cada día y se incluye un pequeño repaso de la sesión anterior. 20-30 mins

Ejercicios de expresión corporal: Equilibrio y desplazamientos estáticos entre otras. Brindarán estilo, lógica al movimiento y es una continuación a la primer etapa de la sesión. 30 mins.

Técnica:  Superficies, alzar, jalar, empujar, etc. Con esto se logra conocer al propio cuerpo, su poder, articulaciones, compensaciones musculares, líneas de fuerza, etc. Los efectos visuales no son un fin en sí, pero se han de conocer para aprovecharse de ellos. Ambientes abstractos, sin gravedad, acuosos, espumosos... Trabajaremos el equilibrio y la carencia de peso. La cara, los estados de tensión, los elementos, etc. Todo esto no sólo entrena el cuerpo, sino que son claves para el carácter, la personalidad e incluso la voz. 40 mins.

Descanso: El estudiante medio a este punto está fatigado y es mejor no forzar demasiado. Con el tiempo, la condición física y mental mejora e incluso el descanso se vuelve un espacio para seguir trabajando. 10 mins.

Improvisación: Trabajaremos con distintos métodos de improvisación. Individual, en pareja o grupo. Se propondrán temas, situaciones o acciones. El alumno representa, el resto evalúa y critica los posibles fallos. La crítica constructiva es importante para aprender, brinda la oportunidad de realizar progresos muy pronto; analizar a los otros hace que nos analicemos a nosotros mismos. Yo también soy criticable y espero que así se haga. Ayudarme a seguir mejorando. 15 mins.

El mimo, es una adicción que cuando se conoce y se siente no se puede dejar. El mimo se apodera de la persona y hace con ella lo que no pueden hacer las palabras. El mimo toma el cuerpo y la transformación se realiza al  liberar cuerpo y  mente, que sea el mimo quien cargue con la responsabilidad y quien actúe. Si se logra esto, logramos la  integración entre la persona, el personaje y la audiencia; sólo así logramos el éxito escénico. -El resto del tiempo soy yo, pensando siempre en cómo representar la pantomima de la vida real.”

Mimo:  1. Entre griegos y  romanos, farsante del género cómico más bajo; bufón hábil en gesticular y en imitar a otras personas en la escena o fuera de ella. 2. farsa, representación teatral ligera, festiva y generalmente obscena. 3. Actor, intérprete teatral que se vale exclusiva o preferentemente de gestos y de movimientos corporales para actuar ante el público.   Real Academia Española RAE

Pantomima: El arte o género de concebir una historia sólo con movimientos corporales.
Mimo: 1a: un actor en un mimo b: alguien que practica mimo. 2 a: el arte de representar un personaje de o una narración por movimientos corporales b: Representación del mimo.  (1986 Webster's Ninth New Collegiate Dictionary)

Ambientación: plaza de los pintores de Montmartre.

    La acción, simultánea, se mueve en dos planos diferentes, A y B. La sucesión de escenas o su simultaneidad están marcadas por el nivel que ocupan las acotaciones respectivas en el papel.

 

A	B
Un corro de gente impide ver en torno a qué se agrupan.	Pintor ante su caballete. Anita, con el abanico contra el pecho, como modelo. Nadie alrededor del pintor.
El grupo se dispersa cuando se levanta, cojeando, el fotógrafo caído. Este, cojeando, se marcha, seguido con la vista por el grupo, que, poco a poco, se fija en el pintor y su modelo.	El pintor sigue pintando, mirando a la modelo y tomando distancias y puntos de referencia.
Caballero y dama se acercan al pintor como mirones.
	Florista ofrece flores al pintor. La modelo se distrae y pide una flor. El pintor se enfada con la modelo y con la florista.
El carnicero se suma a los mirones.
La dama y el caballero se marchan, tras mirar con desprecio al carnicero. Se van sumando mirones en torno al pintor.
	El pintor retrocede, y al retroceder pisa al carnicero. Excusas y mala cara.
Reaparece el fotógrafo, cojeando, con su máquina fotográfica.
Vendedor ambulante con frutas y caramelos se acerca al grupo.
	La modelo desea comprar algo. El pintor se molesta.
Varios mirones se fijan en las manipulaciones del fotógrafo cojo.
	Aparece un militar que lleva el brazo derecho levantado, como si lo tuviera «en cabestrillo».
El vendedor insiste en querer vender a la modelo, y ésta, en un momento de descuido, le roba un plátano y lo esconde.	El pintor ahuyenta a los mirones que hay tras él.
Reaparece la florista y discute con el militar del brazo «en cabestrillo».	El pintor, cuando los mirones están distraídos con la florista y el fotógrafo, da la vuelta al cuadro -del que sólo queda el marco- y la modelo queda enmarcada, como si fuera un cuadro auténtico.
Admiración de todos, que se colocan frente al cuadro de Anita.	Satisfacción visible del pintor por haber conseguido su obra.
El fotógrafo queda solo.
Dama y caballero se cruzan despectivos.
El militar propone al fotógrafo cojo una foto de Anita.
	El pintor accede, y posa ante «su cuadro».
El fotógrafo, con máquina antigua de trípode y paño negro, empieza los preparativos.
	La modelo, desde el cuadro, sonríe al vendedor, que busca, inquieto, el plátano que le han robado.
El fotógrafo da órdenes para que se aparten.	El pintor sigue posando junto a su cuadro y de cara al fotógrafo.
El fotógrafo esconde la cabeza bajo el trapo negro y cuenta hasta tres.
	Anita sustituye rápidamente el abanico por el plátano, que pela, luego lo exhibe y se lo come.
Los mirones, pendientes del fotógrafo y no de Anita, salvo el vendedor, que recibe las peladuras del plátano que graciosamente le arroja Anita.
	El pintor satisfecho, con pueril vanidad, espera la foto.
Sorpresa del fotógrafo, que mira alternativamente la foto y a Anita, buscando aclarar la sustitución del abanico -que vuelve a tener Anita- por el plátano que aparece en la foto.
Mirones alrededor de la fotografía y gran carcajada que empieza el carnicero.
	Indignación del pintor, que discute con el fotógrafo.
Dama y caballero sofisticados pasan de nuevo y miran con envidia al cuadro.
	El pintor «posa» de nuevo para repetir la foto.
Mismo juego de preparativos por parte del fotógrafo y los mirones.
	El pintor, muy engolado, posa para su nueva foto.
Cuando el fotógrafo esconde la cabeza bajo el paño negro y cuenta..., el militar del brazo en cabestrillo se acerca por detrás a la modelo, que le tiende el suyo y desaparecen pausadamente frente al desencanto de todos.
	El pintor espera con ansia la foto...
El fotógrafo se la da apresuradamente, sin mirarla.
	Mezcla de indignación y sorpresa al ver en la foto sólo el marco.
Sonrisa general del grupo de mirones.
Música.

FIN