El arte mesopotámico

CAPITULO 10

El arte mesopotámico

Introducción

Las primeras civilizaciones creadas por el ser humano se ubicaron en medio oriente, dado el desarrollo de la agricultura y la ganadería.

Los primeros núcleos urbanos y las primeras organizaciones políticas en torno a ciudades-estado independientes surgieron a partir del establecimiento de grupos humanos en las tierras fértiles aledañas  a los ríos Tigris y Éufrates. Es en ese contexto donde se conformaron las denominadas civilizaciones mesopotámicas, que serán tema de análisis en este capítulo.  

Opinión.

El arte de Mesopotamia está constituido por varias etapas artísticas determinadas por la diversificación de pueblos que dominaron este territorio. Los creadores del estilo artístico son los sumerios, estilo que será continuado por los semitas, consiguiendo el máximo esplendor en los periodos asirio y babilónico. Dentro de la arquitectura mesopotámica se desarrollaron ciertos monumentos, que fueron el templo, el palacio, la muralla y la tumba. Dentro de la escultura, se desarrollaron tanto las estatuas como el bajorrelieve. Y dentro de la pintura y relieve se puede decir que las obras eran cromáticamente pobres y la temática se basaba en escenas de guerra y de sacrificios rituales con mucho realismo. Predominaban los símbolos cuneiformes.

CAPITULO 11

El arte Egipcio

Introducción

La cultura egipcia, junto con la de Mesopotamia, es una de las primeras civilizaciones  creadas por las sociedades humanas hacia el tercer mileno antes de la era cristiana. Su ubicación geográfica la sitúa en la región denominada media luna fértil, por ser el lugar en donde se origino la agricultura durante el periodo prehistórico conocido como neolítico.

El arte egipcio estaba al servicio de la religión y de la clase gobernante. Era realizado para la elite en el poder, especialmente para el faraón que no solo era el monarca, sino también el dios viviente en la tierra, al cual se le dedicaban las principales obras arquitectónicas, escultóricas y pictóricas.

En este capítulo estudiaremos las manifestaciones artística producida por los egipcios de la antigüedad.

 Opinión.

Egipto esta caracterizado por sus obras arquitectonicas que se utilizaban como monumentos funerarios. Estas pasan diferentes fases que son:

Mastabas- estas estaban hechas de barro y ladrillos, y parecen un intento de pirámide. Eran una base rectangular con unas pareces algo inclinadas, que contenia: una sala para ofrendas y una camara principal que estaba enetrrada (que es donde estaba el sarcófago).

Pirámide Escalonada- está esta rodeada por un recinto amurallado. En este se encuentran: capillas, altares, tumbas, etc... Estaba hecha de piedra y formaba una base rectangular que contenia seis escalones cada uno de un tamaño mas pequeño que el anterior. Y en la zona inferior de toda esta pirámide se encontraba la camara funeraria.

CAPITULO 12

El arte Griego

Introducción

A las civilizaciones griegas se le consideraba como la forjadora de la tradición cultural occidental, y creadora   de un estilo artístico que llegaría a impactar todas las civilizaciones con las que los pobladores griegos tuvieron contacto. Este estilo es conocido como clásico, y se utiliza ampliamente en la historia del arte, no solo para referirse a la antigüedad, sino también a otras etapas como el renacimiento de los siglos xv y xv1 y el neoclásico del siglo x1x.

Antes de iniciar el estudio del arte griego, veremos un panorama general sobre la civilización egea, la cual conformo parte de los patrones artísticos que recibirían los griegos como herencia cultural.

Opinión.

El estudio del arte griego de la antigüedad, iniciado en el renacimiento, estuvo limitado durante largo tiempo a la simple "apreciación estética de sus monumentos". En su evoluciòn cabe distinguir varios períodos: geométrico ( s X- VIII a de C), arcaico (s VII- VI a de C), clásico ( s V a de C) y helenístico ( s IV- I a de C)

Durante la edad media el arte griego se desarrolló bajo la influencia de Bizancio. Entre los s X- XV se erigieron numerosas iglesias de pequeñas dimensiones, de las que se conservan notables ejemplos en las localidades de Mistra ( El Evangelista, s XIV; Santos Teodoros de Brontochion, s XIII, y Pantanassa, s XV), Atenas ( Santos Teodosos y la de Kapikarea) y en el monte Athos. De su decoración interior todavía se pueden contemplar excepcionales muestras de mosaicos ( iglesia de San Lucas en Fòcida, s XI, San Demetrio de Salònica) y pinturas murales ( iglesia de Mistra). Otro monumento de gran importancia es el monasterio de Dafni, s XI, donde se halla un fresco con la representaciòn del Pantocràtor, los 16 profetas y la Theotòkos, y un interesante claustro gótico.

CAPITULO 13

El arte Romano

Introducción

En este tema analizaremos las características del arte producido por los etruscos que tuvieron en la península itálica antes de la formación de Roma.  La cultura etrusca, junto con la cultura griega revisada en temas anteriores, asientas las bases de la civilización romana y determinan en gran medida las características de las manifestaciones artísticas romanas, como el empleo de las ordenes clásicas de las columnas, los estilos pictóricos de influencia helenística o las representaciones escultóricas de retratas. 

Opinión.

A diferencia del arte griego, el romano no siguió el proceso interno de maduración; se trata más bien de un arte ecléctico, cuyo desarrollo debe analizarse a la luz de la cultura helenística. El arte romano se formó bajo la profunda presión de la influencia cultural griega; influencia a la que tuvo acceso por vía directa a través de las fundaciones griegas de la costa meridional de Italia (Magna Grecia), e indirectamente a partir de los estrechos contactos que mantuvo con Etruria. El arte romano presenta diversas etapas de desarrollo, del período inicial, definido también como período de la Roma su etrusca o primitiva, quedan pocos vestigios. De los etruscos, los romanos adoptaron el alfabeto y el concepto de urbanismo, que los primeros a su vez habían aprendido de los griegos. El arte romano, propiamente dicho, aparece durante los s II- I a de C como resultado de las profundas transformaciones sociales y crisis políticas de los últimos tiempos de la república.

CAPITULO 14

El Arte Paleocristiano Romano Y Bizantino 

Introducción

En este capítulo analizaremos las manifestaciones artísticas producidas en el siglo 1v, a partir de la difusión y aceptación del cristianismo dentro de las fronteras del imperio Romano. El primer arte cristiano se denomina paleocristiano romano; y el arte bizantino corresponde a las obras creadas desde el siglo v1 en el imperio de oriente, también conocido como imperio bizantino.

Opinión.

El Románico fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo, agrupando las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media (romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe) y consiguiendo formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas. No fue producto de una sola nacionalidad o región, sino que surgió de manera paulatina y casi simultánea en Italia, Francia, Alemania y España.

BIZANTINO: Se denomina arquitectura bizantina al estilo arquitectónico que estuvo vigente durante el Imperio bizantino (Imperio romano de Oriente) desde la caída del Imperio romano de Occidente en el siglo V. La capital del Imperio de Oriente era Constantinopla (Constantino polis o ciudad de Constantino), cuyo nombre anterior fue Bizancio y, actualmente, Estambul, y ello desde el año330, momento que otros autores fijan como el inicio de la arquitectura bizantina.

CAPITULO 15

El Arte Románico 

Introducción

Este capítulo será dedicado a las manifestaciones artísticas que surgieron durante la etapa feudal en Europa, en un momento de importantes cambios políticos y sociales que modificaron las estructuras medievales y que dieron origen al arte románico, el cual tiene sus antecedentes en el prerrománico carolingio y el otonida.

Hacia el año 1000, se produce en Europa occidental una recuperación demográfica, económica y cultural. Los siglos anteriores estuvieron marcados por la expansión del islam, las guerras, las invasiones de los normandos, sarraconos y magiares y por el fantasma del hombre. En esta época comienza la consolidación del nuevo sistema feudal caracterizado por la división de la población en estamentos: nobleza, clero y tercer estado.

  Opinión.

El arte Románico se desarrolló en una época de pobreza y aislamiento comercial de toda Europa, cl feudalismo El arte Románico se desarrolló durante los siglos XI, XII y mediados del XIII, época en que comienza el arte gótico

Algunas características como:

ü Es un arte fundamentalmente religioso.

ü Se sintetiza entre la tradición constructora del Imperio Romano y las experiencias hechas en las épocas visigoda y carolingia.

ü Fue la primera gran manifestación artística común a todo el Occidente europeo.

CAPITULO 16

El Arte Gótico

Introducción

El estilo gótico tratado en este capítulo representa la expresión más característica del arte medieval, en donde se integran algunos aspectos que se habían desarrollado en el románico, pero lo más notable se observa en las innovaciones introducidas en el campo de la arquitectura, al desarrollarse nuevos sistemas constructivos que revolucionaron el concepto del espacio y de la forma.

En el caso de la escultura, podemos afirmar que se manifestó de manera prioritaria en función de la forma arquitectónica, y en menor medida, como forma exenta o separada del contexto  del edificio. La pintura se remite al trabajo de los vitrales, de las tablas policromas y de las miniaturas realizadas por los monjes de distintas órdenes religiosas.

Opinión.

El gótico eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.No obstante, hay también muchos elementos de continuidad: el predominio de la inspiración religiosa en el arte sigue siendo indiscutido, el monasterio como institución apenas varía excepto en detalles formales y de adaptación a nuevos requerimientos, la misma planta de las iglesias sigue siendo predominantemente la cruz latina con cabecera en ábside orientada al este, aunque se complique o varíe (plantas basilicales, colocación del transepto en el centro, complicación de naves, capillas y girolas). A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint-Denis (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia).

CAPITULO 17

El Arte Del Renacimiento Y El Manierismo

Introducción

Este capítulo está dedicado a una de las etapas de mayor producción artística en la historia: el renacimiento. Este estilo, que surgió en Italia en el siglo xv, se caracteriza por una vuelta a la tradición clásica griega y romana que se había perdido durante la edad media. Es también una etapa en donde se revalora al ser humano y a la naturaleza atreves de las artes, la ciencia y la filosofía, surgiendo así una corriente de pensamiento que influyo de manera definitiva en todas las actividades: el humanismo.       

Opinión.

Identifica características estéticas del renacimiento, manierismo, barroco y rococó y la forma en la que estos se relacionaron entre sí. Manierismo.- Es el nombre que se le da al estilo artístico que se inicia en Italia en la tercera década del siglo XVI. Es el momento en que se pierde lo más propio del clasicismo y la belleza clásica: proporciones, armonía, serenidad, equilibrio.
El manierismo es el replanteamiento de los cánones establecidos por los teóricos del Renacimiento. En arquitectura se crearon espacios de donde la perspectiva se ocupaba para lograr mayores efectos dramáticos. Surgió la arquitectura pictórica cuyo palatin fue Giulio Romano. En la escultura la forma “serpentinata” surge del Tratado de la escultura de Cellini en donde afirmaba que una escultura debe poder ser observada desde ocho puntos de vista diferentes.

CAPITULO 18

El Arte Barroco Y Rococó

Introducción

El barroco es un fenómeno muy complejo; comprende muchos aspectos políticos, económicos, sociales e ideológicos que en su conjunto

Determinan las características de un estilo artísticos y adquiere formas propias en los distintos países tanto en Europa como de América. Abarca los siglos xv11 y xv111, y su última fase, en la segunda mitad del siglo xv111, seria estilo llamado rococó, que se mostro con singular fuerza en Francia y los países germánicos.  

Opinión.

En el barroco se busca en la pintura obtener la perfección en la perspectiva realista, en cambio en el rococó no se toman muy en cuenta las proporciones humanas y de los elementos que le rodea.

El barroco tiene su auge en el siglo XVI y el Rococó en el siglo XVII.En el barroco se enfoca en el manierismo en la escultura, mientras el Rococó busca una perspectiva diferente. El barroco nace en Roma, el Rococó nace en Francia. A diferencia del término “Barroco” la palabra “Rococó”, no ofrece dudas acerca de su significado. Como los nombres de tantos otros estilos contemporáneos, es en su origen un calificativo de intención caricaturesca y despectiva, que deriva del sustantivo rocaille, rocalla, elemento principal de la decoración del siglo XVII.El Rococó a diferencia del Barroco, se despreocupa por cuestiones católicas. Es un arte eminentemente aristocrático, un arte para la alta clase media, amante de un estilo mundano, íntimo y delicado. Él rococó a diferencia del barroco, se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del barroco.

CAPITULO 19

Neoclasicismo, Romanticismo Y Realismo

Introducción

En este capítulo se estudiaran tres estilos artísticos que surgieron en la primera mitad del siglo x1x. El primero de ellos es el neoclasicismo, corriente artística iniciada a finales del siglo xv111, que perduro durante las tres primeras décadas del siguiente siglo; consistió en una reacción academicista y antirrococó  que propugno por un retorno a las formas plásticas tanto de la antigüedad grecorromana como del renacimiento.

El segundo estilo es el romanticismo, vigente aproximadamente durante treinta años, entre 1810 y 1840; fue una corriente artística en la que predomino la espontaneidad, la sensibilidad y el individualismo del artista. El tercer estilo; el realismo, que surgió a mediados del siglo x1x, marco una nueva tendencia que imponía la vuelta a la naturaleza y a la realidad sociopolítica del momento.

Opinión.

Las dos son vertientes de distintas epocas, el neoclasicismo de mediados del siglo XVIII y el realismo de mediados del siglo XIX, despues del romanticismo.las dos apostaban por una literatura realista, alejada de la imaginación y artificiedad.

El realismo

Mientras las tendencias románticas van declinando, se impone en toda Europa una nueva orientación literaria procedente de Francia: el Realismo que surge cuando la mirada se aparta de lo pintoresco y recae en lo cotidiano, cuando el subjetivismo queda reprimido y se da paso a un contemplación objetiva de personas, ambientes y acciones.

Neoclasicismo

La razón es la norma con la que se valoran todas las manifestaciones humanas. Como consecuencia, aparece en Europa a principios de siglo un grupo de pensadores con un espíritu científico que toman la experimentación como método para adquirir el conocimiento sin temor a equivocarse.

CAPITULO 20

Impresionismo,  Neoimpresionismo Y Postimpresionismo

Introducción

La primera corriente del arte moderno que rompe definitivamente con el academicismo todavía presente en la segunda mitad del siglo x1x es el impresionismo, movimiento artístico al que se consideraba revolucionario tanto por la técnica empleada como por la manera de representar los efectos de luz y color. Esta corriente influyo en dos movimientos pictóricos posteriores: el neoimpresionismo y el post-impresionismo.

Opinión.

Los pintores impresionistas organizaron su primera exposición independiente en 1874. Los treinta participantes compartían su rechazo al academicismo imperante y su admiración por las atrevidas composiciones de Monet. El término impresionista fue usado por primera vez por el crítico Leroy en la revista Charivari para denominar irónicamente un cuadro de Claude Monet titulado Impresión, amanecer (1872, Museo Marmottan, París). El término fue adoptado oficialmente durante la tercera exposición impresionista en 1877. La pintura de finales del siglo XIX expresa una de las críticas que ha recibido la era de la ciencia positivista: el predominio de la razón sobre la imaginación. A la fe ciega en la objetividad, que predicaban los científicos naturales de la época, los artistas respondieron con la defensa de la subjetividad como expresión de la relación entre el ser humano y la naturaleza. El movimiento impresionista nació como una reacción al Realismo. Surgió en Francia, en el último cuarto del siglo XIX. Los artistas.

Lo que conocemos, según ellos, respondía a las imágenes e impresiones que cada persona construye de la realidad. Algunos estudiosos de arte lo consideran como una reacción contra la recién descubierta técnica de la fotografía, explicando así por qué el artista impresionista sale al exterior en busca de la luz y lo fugitivo.

 CAPITULO 21

El Movimiento Arts And Crafts Y El Art Noveau

Introducción

Hacia el primer cuarto del siglo XIX, la producción en masa de artículos de consumo, consecuencia de la revolución industrial, efecto de manera profunda el trabajo de los artesanos de oficios tradicionales realizados a mano, tales como la producción de cerámica, textiles, orfebrería, muebles. Aunque se hicieron esfuerzos por unir el arte y la industria para ofrecer trabajo a los artesanos desempleados y también para elevar el contenido estético de los productos fabricados en serie, al no adaptarse  los artesanos a la nueva forma de producción, tales esfuerzos fueron infructuosos. Como consecuencia de lo anterior, surgió en Inglaterra en el siglo x1x el movimiento arts and crafts, con el propósito de revalorar el trabajo manual artesanal.

En este capítulo estudiaremos las características de ese movimiento, así como del art nouveau o modernismo, corriente que surgió con base en los planteamientos del arts and crafts, el cual tuvo su mayor expresión en las artes decorativas y en la arquitecturas.  

Opinión.

Hacia el primer cuarto del siglo XIX, la producción en masa de artículos de consumo, consecuencia de la Revolución Industrial, afectó de manera profunda el trabajo de los artesanos de oficios tradicionales realizados a mano, tales como la producción cerámica, textiles, orfebrería, muebles.

 Aunque se hicieron esfuerzos para unir el arte y la industria para ofrecer trabajos a los artesanos desempleados y también para elevar el contenido estético de los productos fabricados en serie, al no adaptarse los artesanos a la nueva forma de producción, tales esfuerzos fueron infructuosos. Como consecuencia de lo anterior, surgió en Inglaterra en el siglo XIX el movimiento Arts and Crafts, con el propósito de revalorar el trabajo manual artesanal.

El Movimiento Arts and Crafts.

A mediados del siglo XIX se había difundido entre los intelectuales y artistas ingleses una cierta preocupación respecto a las consecuencias de la industrialización sobre la calidad estética de los objetos de uso cotidiano, e incluso sobre la misma calidad de vida. William Morris, un pensador socialista inglés perteneciente a la clase burguesa, intentó recuperar los métodos de trabajo del artesano medieval cuando, debido a la carencia de máquinas, no existían la producción en serie ni los ritmos de trabajo inhumanos.

CAPITULO 22

Fauvismo, expresionismo y cubismo

Introducción

Las primeras corrientes artísticas del arte contemporáneo son: fauvismo, expresionismo y cubismo, que surgieron en Europa en la primera década del siglo xx; aunque pertenecen a un mismo espacio temporal, cada una de estas corrientes representa una nueva forma de abordar los problemas compositivos y de contenido dentro del cuadro.

Mientras que en el fauvismo existe una predominancia del color, el expresionismo le da importancia a los contenidos y el cubismo a la representación especial.

Opinión.

De 1905 a 1914, antes de la Primera Guerra mundial, el arte del siglo XX comienza con las numerosas investigaciones de un arte experimental singularizado por apelativos propios de sus investigaciones.

 La presentación de los primeros Fauves, en el Salón de 1905 causó sensación. Se utilizan colores vivos y puros sin ánimo de exactitud. Se encuentra a H. Matisse, G. Rouault, A. Marquet, A. Derain y M. de Vlaminck. R. Dufy, G. Braque y O. Friesz reúnen estos cuadros, cada uno de los cuales aporta una visión personal de sus obras. Próximo a esta breve escuela del Fauvismo, el aduanero H. Rousseau prefiere un arte naïf que, más adelante, suscitará la admiración de P. Picasso.Al otro lado del Rhin, el movimiento « Die Brücke », Le Pont, intenta en 1905 unir a los artistas entre sí. Estos serán los primeros pasos del Expresionismo con E. Nolde en el vigor lírico y E. Kirchner. Esta escuela se afirma en 1911 con las telas del austríaco O. Kokoshcka. Simultáneamente aparecen en 1907 las primeras pinturas de Pablo Picasso que sitúan el nacimiento delCubismo con G. Braque. G. Delaunay, F. Léger, J. Gris pronto se unen a esta escuela que se aparta de la realidad de la visión. También antes de la guerra de 1914, se constituye en Munich en 1911, la escuela « Der Blaue Reiter », el Caballero azul.

CAPITULO 23

Dadaísmo Y Surrealismo

Introducción

La primera guerra mundial ( 1914-1918 ) provoco una enorme crisis política, económica, social e ideológica en los  países que participaron en ella. En el plano del arte, este conflicto bélico modifico a tal grado la visión del mundo y de la sociedad que tenían los artistas europeos, que buscaron romper con lo establecido adoptando una posición de rebeldía que llevo al surgimiento de un nuevo movimiento artístico, el dadaísmo, el que a su vez dio origen a otra corriente conocida como surrealismo.

Opinión.

El dadaísmo es una corriente artística surgida en Zúrich que buscaba crear el no-arte en algunas ocasión haciendo incluso una crítica social y se dio en las primeras dos décadas del siglo XX. Se caracteriza por collages, fotomontajes, esculturas conocidas como "ready mades" que consistían en tomar un objeto ya existente y sacarlo de su contexto para hacerlo una obra de arte esto muy visto en obras de Marcel Duchamp. El dadá se manifiesta contra la belleza estereotípica y aunque fue popular en Alemania durante principios de la década de los años 20 fue perseguido por la ley y en ocasiones algunas exposciones fueron clausuradas. Entre sus principales exponentes se encuentran Francois Marie Martinez Picabia, Marcel Duchamp, Triztan Tzara y Huesenbelck.

SURREALISMO Movimiento artístico y literario que surge en Francia en el primer cuarto del S. XX. Lanzó su primer manifiesto en 1924, firmado por André Breton, Louis Aragon, Paul Eluard, Benjamin Péret, entre otros. Funcionamiento real del pensamiento La importancia del mundo del inconsciente y el poder revelador y transformador de los sueños conectan al surrealismo con los principios del psicoanálisis.

CAPITULO 24

Abstracción geométrica

Introducción

Al elaborar los principios del cubismo, Picasso y breque  habían evitado una total abstracción, manteniendo un vínculo entre la imagen pictórica y los objetos del mundo real. Sin embargo, otros artistas llevaron las innovaciones de esos pintores al extremo; en las obras de wassili kandinky; casimir malevich y piet mondrian aparece un lenguaje artístico sistemáticamente no representativo, no objetivo y no figurativo, a lo que se ha denominado abstracción.

Opinión.

La abstracción geométrica es una forma de arte abstracto creada en los años 1920, basada en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Surge como una reacción frente al excesivo subjetivismo de los artistas plásticos de épocas anteriores en un intento de distanciarse de lo puramente emocional. El discurso crítico de estos artistas se complementa con una exaltación exacerbada de las dos dimensiones frente al esfuerzo de la mayoría de los movimientos anteriores para tratar de representar una realidad tridimensional.

 La forma geométrica del arte abstracto, fue  creado por Wassily Kandinsky

La abstracción geométrica utiliza la simplificación y el rigor matemático de las formas y los colores en un ritmo más estricto y una ordenación más calculada. Es el resultado de una construcción de la mente que, sin imitar a la naturaleza, se atiene a las leyes que la rigen y busca una representación armónica mediante una composición geométrica.

CAPITULO 25

Expresionismo abstracto pop art y arte conceptual

Introducción

En la Europa de los años treinta del siglo xx, una serie de acontecimientos, tales como la llegada al poder de Adolfo Hitler en Alemania, la dictadura de Stalin en la unión soviética, la guerra civil española y el desencadenamiento de la segunda guerra mundial, hizo que una cantidad considerable de intelectuales, artistas, críticos y coleccionistas europeos, emigraran a estados unidos.

Después de 1939 llegaron a la ciudad de nueva york los artistas salvador Dalí, Ives Tanguy, Fernand Leger, Man Ray, Piet Mondrian, André bretón, Chagall, Max Ernst y otros muchos más. Por su alejamiento de las zonas conflictivas la ciudad estadounidense parecía el escenario más adecuado  para llevar adelante los proyectos artísticos de los pintores europeos. París, capital de la modernidad hasta entonces, cedía el paso a nueva york, convertida repentinamente en la capital artística de occidente en este capítulo analizaremos las corrientes que surgieron en la etapa de la posguerra.

Opinión.

 

INDICE.

El expresionismo abstracto ya no daba más de sí (autores como Rothko se suicidan porque su obra ya no tiene más salida). Y esto hace que aparezcan dos vías en el arte en reacción y además opuestas:

Por un lado: el arte conceptual. Seguimos eliminando aspectos del arte, en este caso, la obra física en sí, lo importante es la idea. Este es el movimiento donde incluiríamos las performances o las instalaciones. Por otro lado: la neo-figuración.

El arte pop (Pop Art) fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.